如果你人在紐約，就立馬移駕紐約現代藝術館吧！千萬不要錯過今年MOMA最重量級別的展覽之一——畢加索畢生雕塑展——這可是非常罕見的大型展覽。約50件展品來自巴黎的畢加索博物館（Musée Picasso），還有一些展品來自蓬皮杜藝術中心、泰特現代藝術館以及芝加哥藝術學院等多家機構。也只有MOMA這樣的專業藝術機構能號召全世界的藏品機構或私人藏家，將畢加索一生創作的雕塑作品匯集在一起。為了讓觀眾能夠從全方位視角欣賞作品，美術館給每個雕塑足夠大的展示空間，展覽占據了整個美術館的4樓。

head of woman.Bronze 復制品

　　就算你是藝術世界的“門外漢”，畢加索（1881-1973）這個名字你也絕對不會不熟悉！不論你是怎么認識畢加索，我們都必須承認他是現代西方藝術中毋庸置疑的重要角色。多數人提起畢加索只想到了他是繪畫大師，當然他的確是學繪畫出生的，他的父親也是一名畫家，但是你或許會驚訝地發現他在另一個他從未經過正規訓練的藝術領域中同樣有著非凡的藝術成就——那就是雕塑。

　　MOMA此次的展覽，一共用9個展廳將畢加索一生的經典雕塑作品匯集在MOMA，展覽將其創作背景，故事，及材質細分出來，按照年代依次排序，使觀者得以通過一次參觀盡覽畢加索雕塑作品的成長、突破及革新的所有創作歷程。  

　　初期作品及第一批立體雕塑（1902-1909）

　　由于從未接受過專業的技巧訓練，畢加索在雕塑創作的初期將大多的精力都放在三維立體雕塑的練習中。只要有時間他就會在他巴塞羅那的工作室中雕磨木頭，并在他20歲時，成功創作了第一件雕塑作品“Seated Woman”。

　　1904年他搬至巴黎定居，繼續他的實驗性雕塑創作，而那時起他的興趣轉向了雕刻肖像，對象都是他身邊認識的人。

Figure.Paris.1908 復制品

　　1907年畢加索參觀了當時的巴黎人類學博物館，他被非洲藝術和大洋藝術（太平洋島嶼土著藝術）所吸引，進而創作了木質圖騰雕塑作品，他藝術生涯中有著其風格轉變風向標之稱的著名油畫作品---“阿維農少女們,(1907)”也是在這種靈感激發下創作出來的。

　　隨后他與喬治·布拉克(George Barque)的藝術合作，開創了嶄新的立體派。那是一種不斷打碎主題，再用線條串聯組合的創作風格，我們對他此類的繪畫頗為熟悉，而事實上他在1909年就已參照他當時的愛人Fernande Olivier的完成了一件立體派雕塑銅制作品“Head Of a Woman (1909)"并很快成為當時他最出名的雕塑作品。你可以從作品表面清晰的看到它的斷裂面和極度的傾斜線條都透露著立體主義的諸多特征。

　　立體的雕塑時期（1912-1915）

　　畢加索在1909年后的三年一直沒有進行雕塑創作。直到1912年的秋天，受到了好友喬治·布拉克(George Barque)的靈感啟發，他把注意力從人像轉移到靜物上。畢加索創作了一個紙板制作的吉他，他把吉他的內部空間打開向外，展示出了一個立體且開放的結構組合。大小同現實吉他，卻脆弱易壞地使人心疼，且沒法用來彈奏。它體現了立體主義流派提出的諸多美學問題：什么是真實？為什么有些版本的“真實”會比其它版本的更好？又是什么讓“持久的”比“短暫的”更有價值？又是什么決定一個物件是藝術品，或者一個理念不是藝術？正因為喚起了這些思考，他決定采用切割，折疊，穿透等手法來塑形金屬，重塑了一個金屬板制的吉他。這件雕塑作品是畢加索這段時期的代表作，是一幅極為前衛的作品，完全沒有使用顏料。

　　至此，畢加索通過人為地重現自然的寫實主義的創作印記了無影蹤。取而代之的是立體主義的真實原則：在一層新奇的物件上黏上另一層物件。

Guitar，1912

　　吉他的塑性如同附有幽靈般，看似被切塊，卻并無容積或深度，也不必指向外在現實中具體的真實存在。從作品中不難發現，畢加索喜歡形狀詭異的拼貼多于連接緊密、流暢的結構。這把紙板吉他和后來創作的金屬翻版（也是展品之一）均躋身20世紀最具影響力的雕塑作品之列。

　　事實上畢加索自己也很珍視這件作品。1912年他給它拍了些照片，幾年之后把它拆開并打包收了起來，且從此以后，無論多少人要求，都再也沒有公開展示過《吉他》。1973年畢加索過世前，把它留給了MOMA。

　　繪畫和雕塑部門的主任Anne Umland和策展助理Blair Hartzell把代表了這一時期一批精妙又罕見的作品匯集在一起，生動直接地為觀眾展示出，在這被認為是畢加索創作風格轉變分水嶺的兩三年中，他將自己的藝術造詣拓展到了何種境界。  

Guitar.Paris,Ferrous sheet metal and wire，1914.復制品

　　另外在此展廳展示的還有6件獨特的苦艾酒杯雕塑，這也是這組酒杯在離開藝術家工作室后的首次團圓。它們銅質部分的造型幾乎是相同的，但是畢加索用不同的裝飾來制作作品的表面。每一個酒杯上方都有一個苦艾酒湯匙，上面有一塊銅制的方糖塊，看上去像是方糖正在融化進酒杯中。值得一提的是，畢加索完成這件作品就像是之前早期的馬塞爾·杜尚作品“自行車輪Bicycle Wheel"，在日常用品中取材，應用的元件是批量生產的產品。它們沒有個性，與其他數不勝數的東西完全相同或相似，即是通過否定大工業生產產品的原功能后，賦予其完全不同的解釋意義的創作。

　　有種顯而易見的手法是通過精簡作品中靜物的種類使風格更簡約：酒杯、玻璃瓶、咖啡杯以及樂器——小提琴和吉他——主要由這幾類物件組合而成。它們在小酒吧和咖啡館中很常見，藝術家們喜歡在冷天從工作室聚集到這些地方取暖。由此看來立體主義雖結束了現實主義，卻仍然具備某種現實元素，并取材自部分的現實生活。

　　對詩人阿波利奈爾的紀念（1927-1931）

　　畢加索再次投入雕塑創作是在20世紀20年代末期(1920's)，為了紀念一位偉大的詩人,小說家,劇作家和文藝評論家，同時也是畢加索的好友及早期藝術資助人——紀堯姆·阿波利奈爾( Guillaume Apollinaire) (1880–1918)。

　　阿波利奈爾參加過第一次世界大戰，戰后不久就因感染當時的一種流感病毒而不幸去世。為了紀念阿波利奈爾，在他去世的10周年，巴黎市政府邀請畢加索為阿波利奈爾創作雕塑紀念碑。畢加索非常認真地構思，并且跟他的西班牙伙伴胡里奧·岡薩雷斯(Julio González)合作——在岡薩雷斯的工作室里，畢加索學習了把金屬熔化再塑形的技巧。然而創作幾經波折卻總由于過于抽象的人物塑形并沒有討得市議員們的歡心。繼一系列用細長鋼條結合組成的肢體之后，他又繼續創作了雕塑作品MetamorphosisⅠ和MetamorphosisⅡ（變型Ⅰ和變型Ⅱ），將抽象完成得更加深刻，而那些厚重的身體、近乎詼諧怪異的體態，卻讓任何人都無法聯想到阿波利奈爾。

glass of abstinthe，1914 復制品

紀堯姆·阿波利奈爾雕像設計稿

Metamorphosis I, 1928 翻制品

　　最終阿波利奈爾的紀念雕塑在1930年完成了。同年，另一尊最具這段時期畢加索雕塑風格特色的代表作“Woman in Garden，Paris”也悄然問世。

　　這是當時畢加索最大的雕塑作品，全部用海上打撈的金屬熔煉切割組成。他將這件作品全部涂上白色油漆，這使作品看起來很像剪切、疊拼出來紙板作品，仿佛你可以隨時拿起它來擺放。但是實際上這件作品是很有重量的。這件作品歷時兩年完成，也是畢加索和胡里奧·岡薩雷斯的合作。作品使用金屬熔煉技術將看似笨重的材料磨煉得細致精巧，觀眾可以看到作品底部纖細的支腳，頭頂頭發的曲線，還有身體軀干的復雜構造，讓整件作品從不同的角度敞開。

　　畢加索賦予這件雕塑的態度就是，不論你從前后左右任何的角度觀賞，都是正確的觀賞角度。（梅錦怡）