《曙色紫禁城》演出照，袁慧琴在劇中扮演慈禧。

　　“走訪”過上海、重慶、武漢、威海、沈陽、廣州、深圳、香港等許多城市，5年時間演出近40場……在清宮題材劇泛濫并招致一些爭議的當下，一部以京劇形式演繹的清宮題材作品卻“走南闖北”，超越不同地域的審美差異，“奇跡”般地長演不衰，它就是新編歷史京劇《曙色紫禁城》。

　　京劇版《曙色紫禁城》由話劇版改編而來，原名《慈禧與德齡》，是全國政協委員、京劇表演藝術家袁慧琴創意發起并親自主演的。繼1996年在《火醒神州》中扮演慈禧后，再次在舞臺上塑造慈禧這個歷史人物，袁慧琴在京劇人物演繹上有哪些不同的感悟和體會？作為文藝工作者，應如何更好地將京劇藝術傳承下去？傳統京劇藝術應如何更好地滿足當下觀眾的審美情趣和需求？為此，本報專訪了袁慧琴，她從《曙色紫禁城》的創作緣起出發，在對藝術經歷的回顧中，不覺深入到京劇藝術的傳承與創新，引申出文藝工作者所肩負的使命和責任。

　　“用藝術點燃藝術”

　　文化周刊：毛俊輝導演、何冀平編劇的話劇版《曙色紫禁城》在改編為京劇之前，就已取得巨大成功。您為何想到要將這一題材轉化為與話劇表現方式迥異的京劇？

　　袁慧琴：這要追溯至2008年，我在國家大劇院看到話劇《慈禧與德齡》（改編時更名為《曙色紫禁城》）的演出，覺得這個故事非常精彩，用京劇也可以出色地表現出來，便幾經輾轉找到何冀平編劇，貿然打去電話，說明了自己的想法。她當時覺得很突然，經過一周的慎重考慮后才給我答復，表示非常贊同我的創意與想法，并決定要親自改編劇本。聽到此話，我感到非常激動，一是自己的想法得到了創作者的肯定；二是何冀平作為原作者親自操刀改編，可以很好地保證將這個故事改編成京劇的意義。

　　這是何冀平第一次寫京劇，一連改了三稿。在修改過程中，面對即使一位普通演員所提出的問題和建議，她都會認真去思考，如果覺得有道理就會做出相應調整。在這個充斥快餐文化的時代，一位藝術家還能對藝術的追求如此執著與嚴謹，這對于我們演員來說，真是一個非常好的學習機會。

　　讓我深有感觸的還有毛俊輝導演，第一次見面他就對我說，“藝術家必須要有一顆赤子之心。”這句話我一直記著，因為我覺得，要做好藝術就一定要有這樣的精神。秉承毛俊輝強調的赤子情懷，在整個創作過程中，劇組對藝術的要求是極為嚴格謹慎的，氣氛又是愉快和諧的。從2010年3月8日建組，到4月28日正式演出，我們僅用了1個多月時間。整個排練過程中我沒請過一天假，因為我覺得作為主演，應該在團隊中起帶頭作用。一部戲的排練和最終呈現，也是對劇組團隊的一種磨煉和檢驗。讓我感到特別欣慰的是，很多青年演員在其間得到了鍛煉和提高，這種成長的價值是超越作品本身的。根據計劃，《曙色紫禁城》明年3月3日還將在北京與觀眾見面，在近5年的時間里，演出總場次已近40場。有朋友告訴我說，《曙色紫禁城》是近幾年新編歷史劇演出場次最多的，我覺得這是觀眾的肯定，說明我們的用心和藝術表現得到了認可。這也說明，京劇作為一種傳統藝術，本身是有強勁生命力的。

　　文化周刊：與傳統京劇相比，您覺得《曙色紫禁城》融入了哪些新鮮元素？

　　袁慧琴：《曙色紫禁城》從話劇版本改編而來，從緣起、決定、排練到最后形成的過程，可謂是在用藝術點燃藝術。在人物形象塑造上，它打破了傳統戲曲對歷史人物那種非白即黑的臉譜化、公式化模式，而是用“家事寫國事”，站在人性的角度對慈禧、榮祿、光緒、德齡等人物進行詮釋，力求使固化的人物形象變得鮮活生動。其中有一場描述慈禧與榮祿之間關系的戲，就表現了慈禧作為一位暫時褪去光環的普通女人，其內心真正的喜怒哀樂。很多傳統戲中的慈禧角色塑造，呈現更多的是她站在高位上的位高權重與氣勢凌人，但其背后的孤獨、無奈、寂寞與痛苦則往往容易被忽略。因此，對于歷史人物，我們需要進行科學判斷，不能一味地簡單地“貼標簽”，這樣是違背歷史規律的，也是不符合實際的。

　　藝術本身要表現一種來自內心深層次的東西，才能將動心動情的內容呈現給觀眾，才會具有可信度和藝術感染力?！妒锷辖恰愤@部戲，冷眼一看覺得就是一部普通的清宮戲，但當你坐下來靜靜地去品味時，發現它里面其實深藏了很多東西，甚至包括對于改革的理解和探索。德齡在劇中曾說過一句話，“人心一旦打開是不可能再閉鎖的”。其實這句話有隱喻，即一旦開始改革，就必須往前走，不可能再隨便把它“拉回來”。從這一角度而言，它顛覆了傳統戲劇直抒胸臆的審美方式，有深度又不失溫度。

　　在抱誠守真中與時俱進

　　文化周刊：《曙色紫禁城》將話劇改編成京劇，可謂一次融合現代元素和創新理念的成功嘗試。您覺得在21世紀的今天，中國京劇藝術如何才能得到更好的發展？

　　袁慧琴：中國的傳統戲曲是很強調基本功的，即平常所說的唱、念、做、打，這是我們必須要繼承并發揚的。但在21世紀的今天，我們需要思考更多，京劇在發展多年后還能存活至今，究竟靠的是什么？原因可能有很多，但有一個很直接、很樸素的原因，就是每個時代都出現了一批優秀的藝術家，他們創作了一批適合當時觀眾審美情趣的藝術作品，進而延續和拓展了整個藝術門類的生命。藝術要發展，必須在抱誠守真的基礎上，堅持創新，堅持與時俱進。否則，將遠遠不能滿足當下觀眾所需的信息量和審美需求了。

　　古希臘戲劇、印度梵劇和中國戲曲被稱為世界三大古老劇種。經過漫長的歷史沉淀，今天只有中國的戲曲還有“生命”，并生機勃勃地發展著。因為它在不斷地與時俱進著。我們作為戲曲的傳承人，不只是一個簡單的技術沿襲者，還應從戲曲藝術發展和繁榮的角度來思考藝術本身。這就需要藝術家不斷創作出藝術精品以滿足觀眾的審美，進而引導和影響觀眾，而不是一味的迎合觀眾或娛樂觀眾。正如習總書記在文藝工作座談會上所強調的，藝術家應該成為時代風氣的先覺者、先行者、先倡者。

　　傳統戲曲在表現過程中往往是“一旦人物抒發感情，整個劇情就停滯不前”。比如傳統戲曲中經常出現這樣的情景：后面有很多追兵，主人公卻可以停下來用大段時間來抒發情感，演繹唱段，劇情完全停滯了。這種方式適合傳統戲迷，傳統審美觀念就是我坐在劇場，就要聽這個角兒的這段唱腔。面對如今多元化的審美，如果一味停留在一種審美觀念、一種表現模式上，肯定會被時代所拋棄。藝術是敲動人內心靈魂的東西，傳統藝術要和當下結合，才能達到藝術上的創新，這種創新不能簡單停留在技藝的改變上，還要尋找方法，比如解決京劇節奏慢、科學運用現代技術手段、傳播方式現代化等問題。

　　當然，藝術創作既要適應當代觀眾的審美需求，又必須要做到“萬變不離其宗”。前段時間，我們進行《曙色紫禁城》的復排，把布景設計成了“大寫意”，即回歸到凸顯演員的戲曲本質。這有關戲曲美學，因為藝術本身就是人物的塑造，有些戲曲的布景熱鬧非凡，看得觀眾眼花繚亂，但觀眾一旦離開劇場，卻發現既沒有引起共鳴，也沒有引發思考。這種現象很可怕，因為這只滿足了一時的感官刺激，沒有真正滿足基于藝術的精神需求。在請毛俊輝導演《曙色紫禁城》之前，我也曾有過這樣的顧慮，但跟他交談后顧慮全然打消了。他當時就說，要堅決站在京劇這塊土壤上進行創作，回歸戲曲、京劇的本原。聽完這席話，作為一個京劇人、戲曲人，我很感動。

　　文化周刊：那應如何做到既保持京劇的本原又融入現代的元素，實現現代技術與傳統藝術的有機結合？

　　袁慧琴：找準切入點是關鍵。這讓我想到自己曾拍過的一部數字戲曲電影《對花槍》，這部電影能在好萊塢第五屆中美電影節上獲獎，很大原因在于有一個108句唱腔的長鏡頭。這部舞臺藝術片需要演員具備深厚的基本功，特別是在設計108句唱腔的表演時，也曾考慮過用不同場景來表現，比如拍到姜桂芝年輕時的唱段時，就展現她年輕時的場景，后來經過仔細思量，最終選用了長鏡頭，把這108句唱腔中所蘊含的喜怒哀樂通過一氣呵成的表演、技藝、演唱表現出來，實現技和藝的有機結合。

　　這一長鏡頭的背景設計采用了很多現代特技，為了突出表現演員唱念做打的技藝并深化作品內容，劇組選擇在西方戲曲常用的黑色背景中設計表現人物情緒的場景。一般情況下拍攝一首MTV最多花費4分鐘，而這個長鏡頭用時23分8秒，根據人物的喜怒哀樂，用特技“描述”了大量中國傳統元素，比如中國結、剪紙、水墨畫等等。京劇這一古老藝術與現代技術在這一長鏡頭中實現了完美結合，頗具時代感，得到了廣泛的好評與肯定。

　　文藝家需具備“無我”境界

　　文化周刊：一部優秀的戲曲作品，離不開文藝工作者的精彩詮釋與完美演繹。您覺得文藝工作者在藝術精品的創作中應該發揮怎樣的作用？

　　袁慧琴：習近平總書記在文藝工作座談會上強調，精品之所以“精”，就在于其思想精深、藝術精湛、制作精良。我們始終在朝著這一方向努力?！妒锷辖恰芬呀浥叛葸^很多場，再過幾天，何冀平編劇和毛俊輝導演還要專程趕到北京，一起來探討這部戲在現有基礎上，如何再精益求精地進行打磨和推廣。現在都在提倡出精品，其實怎樣出很重要，而不是打著出精品的旗號，支出高額的費用，拍完就扔一邊不管不顧了。

　　出京劇精品，劇本的選材和創作的思路至關重要。有一位戲曲專家就曾說，選對好的劇本，需要有頭腦的藝術家。就是說，不管是劇本創作者，還是藝術工作者，在創作或演繹任何作品時，首先思路得清晰，定位得準確。劉海粟先生也曾說過，演員比來比去，最后比的是文化。其實從演技來說，優秀的演員雖各有千秋，但到一定層次后大都在伯仲之間，最后比拼的其實就是文化，就是內心深處對藝術的理解，以及綜合的人文底蘊、人文修養。

　　出精品，還要有相應的境界。戲曲演員進行創作一定要有一種“無我”的境界，才能抓準人物脈絡。真正的藝術家是放下自己，先站在整部戲的高度來思考人物的意義及如何更好地刻畫人物，再在刻畫人物的過程中去盡情發揮唱、念、做、打的技藝，實現兩者的完美結合，而所有的藝術演繹都是為塑造人物服務的。

　　1996年，我就曾在《火醒神州》中扮演過慈禧，那時還處于對新劇目創作的萌芽狀態，劇本及所呈現的人物性格也與《曙色紫禁城》有著截然不同的風格，但那時我開始關注人物塑造與展現藝術家自身技藝之間的關系問題。如果一上來就關注某段唱能不能叫好，哪兒還能再發揮一下，肯定就把整部戲劇結構及人物內外在的邏輯打亂了。尤其是有了一定成就的藝術家，很容易把自己凌駕于作品之上，這樣很難出現真正的好作品，因為他把自己的符號永遠定格在戲中，觀眾看不到作品，看不到人物，看到的只是他本人，他本人又能給觀眾傳達多少信息呢？

　　大家都在談振興京劇，怎么振興？這不是單純喊口號倡導就可以解決的問題，還需要沉下心來思考。我覺得非常重要的一點就是要振興中國京劇自身內在的文化，具體到我們這些京劇藝術工作者，自身首先需要沉淀下來，靜下心來，思考什么是真正的好作品？作品怎樣才能適合當下觀眾的審美情趣？作品要精湛，必須經歷千錘百煉。而作品的千錘百煉，又何嘗不是對文藝工作者藝術修為和情感情懷的千錘百煉，何嘗不是對藝術精神本身的千錘百煉！